Intervista con Garrett Lynch / Interview with Garrett Lynch
Francesca Nadalini

Italiano [English below]



www.asquare.org

Francesca Nadalini: Come consideri il tuo ruolo di artista nella società contemporanea? NB: Le risposte estratte da “Quote me!” non valgono! ;) (NDR: Quote me (http://www.asquare.org/project/quote-me/) è uno degli ultimi progetti di Garrett Lynch, "il prodotto web 2.0 per l’artista dei nuovi media troppo impegnato”, che non ha tempo di “pensare ad aforismi spiritosi")

Garrett Lynch: Quando dici “società contemporanea”, ti riferisci a contesti specifici come quello culturale o politico oppure in generale al contesto sociale?


F.N.: Intendo il contesto sociale in generale: l’artista si fa portatore del cambiamento sociale, come ad esempio dell’avvicinamento del pubblico alle nuove tecnologie?

G.L.: Secondo me no, non penso che ci sia una definizione che funziona per descrivere cosa rappresento in quanto artista o cosa dovrebbe essere l’artista in generale. È molto importante che lui (o lei) capiscano qual è lo scopo dell’arte: sia che lo scopo venga poi internalizzato, in modo terapeutico come può essere ad esempio il bisogno di creare, oppure esternalizzato, comunicandolo agli altri, ha bisogno di essere definito dall’artista, così che egli possa servire quel proposito – qualunque esso sia.

Non penso che il mio lavoro possa agire come agente sociale; in questo periodo solo la cultura popolare sembra farlo e il mio lavoro non ricade nella cultura popolare.
Quello che spero di ottenere nella maggior parte dei miei lavori è indurre le persone a riflettere sulle idee che ho messo in relazione, o ai collegamenti tra esse. Personalmente mi piacciono i lavori che fanno questo, per cui cerco di fare lo stesso tipo di lavoro, inducendo gli altri a pensare.


F.N.: Ti consideri un net.artista?

G.L.: Se stiamo parlando della definizione di net.art (specificatamente con il punto) che è stata adottata in massa e associata per esempio all’ascii art di Vuk Cosic o al formalismo del browser di Alexei Shulgin, il mio lavoro esteticamente non rientra in questa definizione di net.art.
Ma questo è il problema: la confusione sul fatto che alla net.art corrisponda un’estetica che invece non le appartiene, mentre ha più a che fare con l’etica filosofica.

Io penso che la net.art sia stata dirottata a posteriori dai curatori e da coloro che scrivono di new media art. Essi sembrano sentire la necessità di classificarla, associarla all’arte di un certo tipo o indicare quali sono le caratteristiche condivise con altre estetiche. Questa è un peccato, perché l’intenzione che stava dietro la net.art è sempre stata quella di democratizzare la forma d’arte, liberarla dai tradizionali valori e sistemi dell’arte (incluse le suddivisioni dell’arte in movimenti basati su aspetti estetici) con aspetti condivisi sulle nuove possibilità / valori che le reti creano in quanto nuova forma.

Vista in questo modo, considerando la net.art come un modo di creare arte principalmente correlata con internet e le sue caratteristiche, considero sicuramente il mio lavoro ricadere nell’ambito della net.art.

Nell’ultimo anno, il mio lavoro ha cominciato ad evolversi anche oltre questa definizione di net.art, per diventare una definizione più aperta di net.art nella quale “net” è l’abbreviazione di “network” invece che di “internet”. Quello che mi ossessiona è non internet in sé stessa, ma l’idea delle reti, di tutti i tipi di rete, tecnologiche (digitali, elettroniche ed elettriche), sociali, biologiche, ecc. Il mio lavoro sta cominciando ad essere un’arte della rete piuttosto che una net.art, un’arte di internet.

Nelle mie opere, il modo in cui la rete è implicata ovviamente cambia da lavoro a lavoro: non ho un singolo tema all’interno della struttura “rete” sul quale focalizzo tutti i miei lavori. A volte, la rete è cruciale come aspetto tecnico, semplicemente perché senza internet l’opera non funzionerebbe: è allora un “lavoro in rete” (NDR “net work”). In altri lavori, la rete è cruciale perché può offrire un supporto, per esempio la percezione può essere “aumentata”da una rete o usa la cultura delle reti in qualche modo.


F.N.: Ho letto che in passato hai partecipato al Network di Rhizome (http://www.rhizome.org/), ma che ora non ne fai più parte. Cosa è cambiato dai primi tempi dello “spazio digitale fai-da-te” per gli artisti come te?

G.L.: Penso che il periodo della net.art prima della bolla speculativa, che è durato decisamente troppo poco, è stato fantastico. Sembrava che gli artisti che lavoravano con internet, quelli che erano entrati fin dalla prima net.art, chiamiamoli “plug-in artists” per differenziarli un po’, lavoravano principalmente come web designer o programmatori.

Usando ogni giorno nuove tecnologie, essi avevano accesso al software e hardware e avevano tempo di lavorare sulla loro arte. La loro priorità era di creare, imparare e condividere, non necessariamente si preoccupavano di vivere con i guadagni dell’arte.

Ciò era sano, la tecnologia e le tecniche usate per il loro lavoro quotidiano favorivano o ispiravano nuovi modi di pensare e creare opere d’arte rendendoli ancora più familiari con la tecnologia, dando quindi dei riscontri nel loro lavoro di tutti i giorni.

Regolarmente rilasciavano lavori su internet, regalandoli senza ulteriori motivi e questo, insieme a una strategia di conservazione proiettata nel futuro, è ciò che ha permesso all’Artbase di Rhizome di diventare enormemente famoso.

Dopo che la bolla è scoppiata, molti artisti persero i mezzi economici per finanziare la propria arte e ciò obbligò molti ad abbandonare l’arte oppure a darà priorità a nuovi lavori o a diversificarli. Anche molte risorse che gli artisti hanno usato svanirono e divennero servizi a sottoscrizione, come fece Rhizome.

Penso che ciò abbia fatto arrabbiare molti artisti come me: il lavoro che abbiamo regalato all’Artbase improvvisamente poteva essere visualizzato solo dai membri di Rhizome.

Altri ebbero la percezione che la partecipazione / collaborazione / condivisione sembravano semplicemente sfruttati per un arricchimento in qualche modo disonesto, generando un’atmosfera di diffidenza e così tolsero il proprio lavoro dall’Artbase o peggio ancora smisero di parlarsi l’un l’altro o interruppero le collaborazioni non solo con il Network di Rhizome ma anche con molti altri.

La mia decisione di smettere di usare le risorse che divennero servizi a sottoscrizione, Rhizome era solo uno dei molti, era sintomatico della mia contrarietà a tutto ciò e ad oggi mi attengo ancora a questi principi.

Le entrate del mio lavoro artistico non sono una priorità, penso che l’arte dovrebbe, dove possibile, essere libera e accessibile il più possibile.

Sono un forte sostenitore dell’open source e come i loro creatori mi piace regalare i miei lavori al pubblico quando posso, quindi non si può dire che supporti organizzazioni che lucrano dalla situazione.

Rhizome ha provato a sopravvivere e gestire le cose da fare mentre molte altre risorse online non potevano, e questo è sicuramente un merito; sono fortunato abbastanza da non avere dovuto prendere decisioni come questa che riguarda l’arte e il business. Da allora comunque il “deeplinking” (NDR i link alle pagine interne) è stato aperto e reso pubblico così ognuno può accedere al lavoro e ciò è positivo.

Nello dominio digitale sono cambiate molte cose, le organizzazioni online, l’ambiente internet che diventa sempre piu guidato dai servizi, anche gli artisti stessi, ma il cambiamento è buono, il cambiamento è il nostro medium e con gli attuali sviluppi come il Web 2.0 e l’influenza dell’ “The Internet of Things” questo cambiamento sembra diventare stimolante per lo sviluppo di questa forma d’arte.


F.N.: Perchè hai scelto "asquare.org" come nome a dominio? Il sottotitolo “Flatland” (citazione dal racconto di Abbott) indica che il sito è il contesto a due dimensioni per la tua arte e ricerca?

G.L.: Ho scelto “asquare.org” come nome a dominio perché volevo identificarmi con il personaggio di A. Square dal racconto di Edwin A. Abbott “Flatland” (NDR: in italiano ”Flatland. Racconto a più dimensioni”).

Lessi questo libro quando ero studente in Inghilterra, all’incirca nello stesso periodo in cui cominciai ad usare internet regolarmente. In quel periodo stavo anche leggendo “White Light” di Rudy Ruckers, un altro lavoro di science-fiction che tratta temi simili, attraverso la filosofia ma particoalrmente del Vescovo George Berkeley, un filosofo del XVIII secolo che discusse teorie riguardanti lo spazio, l’identità, il ruolo dei sensi e perfino idee inerenti il virtuale.

Tutte queste cose insieme hanno formato il mio pensiero riguardo a internet, ma “Flatland” è stato più influente perché il suo valore metaforico è facile da afferrare e trasmettere dal linguaggio alla forma visuale come Abbott fa in qualche illustrazione di corredo. Il paese a due dimensioni, al di là di molti temi documentati, per me esplora temi relative ad altri spazi (o mondi come dice Abbott), spazi concettuali, astratti, virtuali e trascendenti.

Molti lavori della prima net.art esploravano le stesse idee, in particolare temi come l’identità, che si manifestava in molti scenari degli artisti, che adottavano alter ego on line, come Jodi, 01.org, Jimpunk, Mez solo per nominarne alcuni. Dobbiamo tutti tenere in mente che la parola che è entrata nella cultura di internet per rappresentare visivamente l’io è “avatar”, proviene dalla cultura Hindi, ed è la vera essenza della trascendenza.

Internet per me è essenzialmente un mondo a due dimensioni (“flatland”).
A. Square non è comunque un mio alter ego. Mentre A. Square è la guida per me su internet così come la Sfera era la sua guida in Spaceland. Non ho mai attribuito un mio lavoro a quel nome, né ho mai voluto frammentare la mia identità in questo modo (tra spazi “reali” e “virtuali”) o rifiutato di pubblicare fotografie di me stesso on line. Invece ho provato a tenere in mente una citazione di Toni Sant (“Sulla soglia del “Terzo Spazio”) dove chiede: “Dove sono quando sono on line? Il mio corpo è ancora di fronte allo schermo del computer, ma io sono anche attivamente coinvolto in un intero nuovo mondo dall’altra parte dello schermo)”.
La cosa più importante in questo passo è “io”.
Io sono qui ma anche da un’altra parte.
Quindi, è solo un’altra parte, o un altro “livello” come lo chiama Micheal Heim (The Cyberspace Dialectic in The Digital Dialectic: New Essays on New Media, ed. Lunenfeld, P.) della mia realtà.


F.N.: Puoi dirci qualcosa del tuo ultimo lavoro “Perpetual Portrait”, focalizzato sulla relazione tra ritratto e il tempo che passa. Con quest’opera intendi rappresentare il tempo, che è per definizione un concetto analogico, da una prospettiva digitale e come fosse un concetto digitale? Ti sei ispirato a qualcuno in particolare?

G.L.: Perpetual.portrait è il mio tentativo di lavorare con uno dei più vecchi temi con cui un artista può confrontarsi: l’autoritratto. Creare un ritratto che cambia insieme al soggetto è il punto di partenza di quest’opera.

L’idea di dipingere un quadro o creare qualsiasi opera che non è in qualche modo dinamica, cioè che non è in rete, interattiva, non-lineare, è di scarso interesse per me e mi sembra non adatto al mio ruolo di artista preoccupato di creare un’arte che permette e incoraggia il cambiamento (come fanno le reti, o i media interattivi) ritornare a una forma statica per visualizzare me stesso.
L’opera rappresenta il concetto di tempo nel suo continuo mutamento. Questa rappresentazione del tempo attraverso il cambiamento vuole essere come una mappa del processo di invecchiamento, un ritratto realistico di questo processo, e allo stesso tempo una condizione mentale dove il mutamento è inarrestabile, inevitabile, ma anche positivo.

Non è importante se il ritratto cambia insieme a me, semplicemente esso cambia.
L’idea dello sguardo fisso in quest’opera diventa altrettanto importante.

Nel romanzo è lo sguardo di Dorian che nutre il ritratto e io volevo esplorare come fissando qualcosa per un periodo di tempo si può far evolvere quella cosa, dare un significato alla sua esistenza, che è stata riconosciuta e che si è interagito con essa in qualche modo.

Questo è il procedimento attraverso cui emergono le due diverse versioni del ritratto, esplorando il modo in cui lo sguardo e colui che sta guardando si relazionano al ritratto.

Mi è sembrato ovvio mettere in relazione le mie idee su tempo, cambiamento, sguardo e autorappresentazione con “Il ritratto di Dorian Gray” di Oscar Wilde. Wilde era un commediografo e romanziere e io ho una relazione con il teatro in Irlanda, principalmente grazie a mio padre che scrive e per questo sento una certa connessione con esso. Mio padre ha incontrato anche Hurd Hatfield, l’attore che ha interpretato Dorian Gray nel più famoso adattamento cinematografico, quasi al termine della sua vita, quando viveva in Irlanda, e mi disse che Hatfield gli diede uno dei dipinti usati nel film (ce n’erano diversi che mostravano il processo di degenerazione).

Si tratta di una ripresa del film in bianco e nero eccetto per le immagini finali del ritratto, che possiamo vedere con tutti i colori. Ricordo che ritenni davvero intelligente questa soluzione usata nel film, in cui il “nuovo”, cioè il colore, era usato come uno shock per enfatizzare l’orrore del ritratto.

Nel mio ritratto, uso “il nuovo del nuovo”, cioè i media digitali, con un risultato che forse non è altrettanto shoccante ma che rivela sempre qualcosa di innaturale nel un ritratto che cambia / si evolve.
L’ispirazione per questo lavoro ovviamente proviene dal romanzo stesso, ma anche dal film, “The Will Self novel Dorian” e anche dalla conversazione con mio padre, che hanno tutti svolto un ruolo importante.

L’audio nel ritratto è fortemente ispirato all’audio d’atmosfera nel film “The Elephant Man” di David Lynch, e all’interno dei nuovi media il lavoro che tenevo in mente come riferimento mentre realizzavo “Perpetual.portrait” era “Every Icon” di John F. Simon Jr.
Il mio lavoro è sempre pieno di riferimenti ed ispirazioni, che possono provenire da diverse cose come queste.


F.N.: Qual è il tuo rapporto con le istituzioni d’arte con le quali lavori? Sono ricettive alle tue iniziative, c’è riconoscimento dei tuoi lavori, hanno la forza di promuovere e diffondere questa nuova forma d’arte?

G.L.: Lavorare come artista di nuovi media / tecnologie può essere problematico e veramente frustrante. Lavorare con le reti sembra essere particolarmente problematico in quanto il lavoro, spesso intangibile e distribuito, è difficile portarlo negli spazi pubblici e nelle gallerie, dove l’arte è trattata come merce di scambio per fondare questi spazi ed eventi. Non ho mai cercato di ottenere entrate dal mio lavoro, e per questo ho cercato di evitare le istituzioni d’arte / organizzazioni che funzionano generando entrate dirette attraverso le vendite dell’opera.

Ho sempre provato invece a lavorare con le istituzioni d’arte / organizzazioni che preferiscono le strade della fondazione o della performance: queste organizzazioni sembrano essere un po’ più ricettive al mio lavoro, come se avessero fatto un atto di fede, separando l’arte dal business fino al punto in cui essi supportano invece di nutrirsi fra di loro.

Penso che la maggior parte degli artisti ancora incappano negli stessi ostacoli di dieci anni fa, dovendo convincere le istituzioni d’arte / organizzazioni che questo tipo di lavoro è valido, rilevante per la propria epoca ed è un sano avanzamento sotto molti aspetti dell’arte in generale (come il lavoro di Duchamp separò l’arte dall’oggetto attraverso l’arte concettuale, videoarte e ora net.art continuano in questa direzione e lo sviluppano).

Gli artisti che lavorano con i nuovi media / tecnologie comunque hanno anche bisogno di pensare in un’ottica più ampia e difficile per capire se veramente le loro opere devono essere mostrato all’interno di istituzioni d’arte / organizzazioni che non sono gli ambienti per cui sono concepite: non tutta l’arte può o deve fare questa transizione.


F.N.: Su cosa ti concentrerai nel 2007? Hai già qualcosa in mente o non hai ancora pianificato le tue attività?

G.L.: Sto programmando di seguire il percorso di tutte le idee menzionate poco fa sulle reti in un significato più ampio, che mi auguro possa prendere corpo in nuove forme. Il mio blog di ricerca Network Research (http://www.asquare.org/networkresearch/) è il background di ricerca per il mio lavoro.

In questo momento ho un’altra collaborazione con Frédérique Santune che stiamo per concludere. Si tratta di un’installazione che sarà un po’ più lunga delle altre nostre precedenti collaborazioni ma porta avanti le idee su cui abbiamo lavorato a proposito di mettere in rete / collegare video in modi diversi così possano mettersi l’uno controllo l’altro o aumentare ciò che un video può essere.
Ho alcuni lavori che stanno partendo, in collaborazione con due colleghi dell’università che esploreranno le reti di cellulari, e spero di continuare a fare performance audio-visuali come quella Open Ear dell’anno scorso.

Ho cominciato a lavorare con Processing e Max / Msp che spero potranno rivestire qualche ruolo nel lavoro che svolgerò quest’anno.

Questo è tutto ciò che ho pianificato ma ci saranno sicuramente altri lavori visto che tendo a portarne avanti molti allo stesso tempo.



English



www.asquare.org


Francesca Nadalini: What is your role as artist in the present social context? NB: Answers taken from “Quote me!” do not count! ;) (NDR:“Quote me” http://www.asquare.org/project/quote-me/ is one of the last Garret's project, "the web 2.0 commodity for the busy new media artist" who hasn't time to "thinking of witty aphorisms")

Garrett Lynch: When you say the present social context do you mean a specific cultural or political social context or a general social context?


F.N.: I mean general social context: is the artist like as agent for social change, does he bring new technologies nearer people?

G.L.: For me no, I don't think that can be a working definition of what I am as an artist or what the artist in general should be. (S)he needs to find a purpose for art, that is very important, but whether that purpose is internalised, therapeutic such as a need to create, or externalised, communicate with others, it needs to be defined by the artist so that it can serve that purpose – whatever it is.

I don't feel as if my work would ever come close to acting as a social agent, only popular culture seems to do this these days and my work doesn't fit into popular culture.

What I do hope to achieve in almost all of my work is to get people to think about the ideas I'm making connections or links between. I personally like work that makes me think so I try to make work to make others think.


F.N.: Do you strictly consider yourself as a net.artist?

G.L.: If we are talking about the definition of net.art (specifically with the dot) that has been adopted en masse and associated with the ascii art of Vuk Cosic or the browser formalism of Alexei Shulgin for example, my work doesn't aesthetically fit with that definition of net.art. But here is the problem, the confusion that net.art has an associated aesthetic: it doesn't, it has more in common with a philosophical ethos.

I feel net.art has been hijacked in retrospect by curators and those who write about new media art. They seem to feel the necessity to classify it, associate it with art of a certain style or some such other shared aesthetic characteristic. ¬This is a shame because the intention behind net.art was always for it to be a democratising form of art, free from traditional art values and systems (this includes segmenting art into movements based on aesthetic concerns) with shared concerns about the new possibilities / values that networks as a new form create.

Viewed in this way, considering net.art as a way of creating art fundamentally concerned with the internet and it's characteristics, I absolutely consider my work to fall firmly within net.art.
In the last year my work is starting to evolve beyond even my definition of net.art, to become a more open definition of net.art where the net is an abbreviation for network rather than internet.
What obsesses me is not the internet per se but the idea of networks, all sorts of networks, technological (digital, electronic and electrical), social, biological etc. My work is starting to be a networked art rather than net.art, an internet art.

The context of how the network applies of course changes from work to work, I don't have a single theme within the framework of networks as such which I focus on across all my works.
Sometimes the network is crucial to the work in a very obvious technical way such as without the net the work will simply not function, it is a net work. In other works it becomes crucial in the way the work may benefit from a network, for example it's augmented by a network or uses the culture of networks in some way.


F.N.: I have read that you participated in the Rhizome Network (http://www.rhizome.org/) in the past, but that you are no longer doing it. What’s changed since the first era in terms of this "do-it-yourself digital space" for artists like you?

G.L.: I think that, far too brief, period of net.art prior to the dot com bubble bursting was fantastic. It seemed that the artists working then with the internet, those who had moved on from the early net.art, lets call them the “plug-in artists” to differentiate them slightly, were principally working as web designers or programmers.

Using new technologies every day, they had access to software and hardware and made time to work on their art. Their priority was to create, learn and share, not necessarily worry about earning a living from art. This was healthy, the technology and techniques used in their day job assisted or inspired new ways of thinking and creating art works made them even more familiar with the technology feeding back into their day jobs. They regularly released works on the internet, gifting their work without ulterior motives and this along with a very forward thinking curating strategy is what led to Rhizome's Artbase being hugely successful.

Once the bubble burst a lot of artists lost their means of funding their art and this forced many to abandon their art so as to prioritise getting new jobs or to diversify. Many resources that artists had used also vanished or became subscription services, as did Rhizome.
I think this angered many artists like myself, work we had gifted to the Artbase suddenly could only be viewed by Rhizome members.

Others felt that participation / collaboration / sharing simply resulted in profiteering in some shape or form, generated an atmosphere of distrust and so pulled their work from the Artbase or worse still stopped talking to each other or collaborating not just in the Rhizome Network but also on many others. My decision to stop using resources that became subscription services, Rhizome was one of several, was symptomatic of my objection to this and I still hold with this principal.
Income from my work is not a priority, I think art should, where possible, be free and as accessible as possible.

I am a keen supporter of open source / creative commons and similar to open source developers like to gift my work to the public domain when possible so it goes without saying I can't support any organisations that gain from that situation.

Rhizome was trying to survive and managed to do so while many other online art resources could not and this is highly commendable, I'm lucky enough to not have had to make decisions like this concerning art and business. Since then however deeplinking into the Rhizome's Artbase has been opened up once more so that anyone can access the work and this is positive.

A lot has changed in the digital domain, the organisations online, the environment of the internet becoming service led, even the artists themselves, but change is good, change is our medium and with current developments such as Web 2.0 and the influence of The Internet of Things this change looks as if it's going to be exciting for the development of this art form.


F.N.: Why did you choose "asquare.org" as your domain name? Does the subtitle "Flatland" (from Abbott's novel) aim at identifying the site as a 2D location for your art and research?

G.L.: I chose asquare.org as my domain name because I wanted to identify myself with the character A. Square from, as you have correctly interpreted, Edwin A. Abbott's novel “Flatland”.
I read the novel as a student in England around about the same time that I started using the internet on a regular basis. At this time I was also reading Rudy Rucker's “White Light”, another work of science-fiction which has similar themes, alongside philosophy but particularly that of Bishop George Berkeley an 18th century philosopher who discussed theories concerning space, place, identity, the role of the senses and even ideas concerning the virtual.

All of these together became a shaping influence on my thinking about the internet but Flatland was the most influential because its metaphoric value is easy to grasp and transfer from language to visual form as Abbott does with some suburb illustrations. Flatland, beyond the much documented themes, for me explores issues concerning other spaces (or worlds as Abbott uses), conceptual, abstract, virtual places and transcendence.

A lot of early net.art explored these same ideas, particularly through themes such as identity, which manifested itself in a whole set of artists who adopted alter egos online, Jodi, 01.org, Jimpunk, Mez to name a few. We must keep in mind that the word, which entered into internet culture for visual representation of the self, “avatar”, from Hindu culture, is the very essence of transcendence.

The internet is for me essentially a flatland.
A. Square is not however an alter ego. Instead A. Square is a guide for me to the internet just as the Sphere was his guide in Spaceland. I have never credited my work with that name, never chose to fragment my identity in that way (between 'real' and 'virtual' spaces) or refused to publish photographs of myself online.

Instead I try to keep in mind a quote from Toni Sant, (On the Threshold of a ‘Third Place’) where he asks "Where am I when I am on-line? My body is still in front of the computer screen, but I am also actively engaged in a whole new world on the other side of the screen".
The most important word here is I.
I am here yet also there.
There, is in fact just another part, or layer as Michael Heim calls it (The Cyberspace Dialectic in The Digital Dialectic: New Essays on New Media, ed. Lunenfeld, P.), of my reality.


F.N.: Can you tell us something about your latest work, "Perpetual portrait" focused on theme that has always hunted people. Does this piece of art want to represent time, which is in itself an analogical concept, from a digital perspective and as a digital concept? And have you taken inspiration from someone else, or have you been the first explorer of this mode of representation?

G.L.: Perpetual.portrait is my attempt to work with one of the oldest themes an artist can work with, self-portraiture. Creating a portrait that changes with the subject is the starting point of this work.

The idea of painting a picture or creating any work which isn't dynamic in some way, that is, networked, interactive, non-linear, is of little interest to me and it seems odd for me as an artist preoccupied with creating art that is about frameworks which allow and encourage change (i.e. networks, interactive media) to revert to a static form to visualise myself.

The work does represent time in the sense that it continually changes but this representation of time through change while desiring to be a mapping of the aging process, it wants to always be a true portrait, is more a representation of a state of mind that change is unstoppable, inevitable but also good.

It's not important whether the portrait changes with me, simply that it changes.
The idea of the gaze became important for me in this work as well.
It's the gaze of Dorian which feeds the portrait in the novel and I wanted to explore how gazing at something over a period of time could evolve that thing, meant it existed, was being acknowledged, interacted with in a way.

This is how the two distinct versions of the portrait came about, exploring how the gaze and who was gazing affected the portrait.

It seemed obvious to me to connect the ideas I was having about time, change, the gaze and self-representation with Oscar Wilde's The Picture of Dorian Gray. Wilde is an Irish playwright and novelist and I have a history with theatre in Ireland, primarily through my father who writes, so I feel a certain connection there. My father also met Hurd Hatfield, the actor who played Dorian Gray in the most famous film adaptation, towards the end of his life when he was living in Ireland and told me how Hatfield had actually been given one of the paintings used in the film (there were several to show the degeneration process).

This is a film shot in black and white except for the final images of the portrait, which we see in full colour. I remember thinking how clever this was that the film used the shock of the new, colour in cinema, to emphasise the horror of the portrait.

In my portrait I use the new 'new', digital media, perhaps this is not as shocking but there is something unnatural about a portrait which can change / evolve.
Inspiration for the work obviously comes from the novel itself but the film, the Will Self novel Dorian and even the conversation with my father all played important roles.
The audio in the portrait was heavily inspired by the atmospheric audio in David Lynch's “The Elephant Man” and within new media the work I kept thinking about while I was making Perpetual.portrait is Every Icon by John F. Simon Jr.
My work is always full of references and inspiration, which can come from many differing things like this.


F.N.: What is your relation with the art institutions you happen to work with? Are they receptive to your initiatives, is there a recognition of your works, is there any will to promote and spread this new art form?

G.L.: Working as an artist with new media / technologies can be problematic and very frustrating.
Working with networks seems to be particularly problematic in one aspect since it's quite often intangible, distributed work, this is getting your work into public or gallery spaces because of the issue of art as commodity to fund those spaces and events. I have never sought to generate income from my work and so try to avoid art institutions / organisations that employ the method of generating direct income from the work through it's sale.

Instead I try to work with art institutions / organisations that prefer the funding or performance routes, these organisations seem to be a little more receptive to my work as they have already made that leap of faith, separating art and business to the point where they support rather than feed off each other.

I think the majority of artists are still running into the same obstacles as ten years ago, convincing art institutions / organisations that this type of work is valid, relevant to it's time and is a healthy progression of many concerns within art in general (such as Duchamp's work separating art from object through to conceptual art, video art and now net.art continuing and developing this).

Artists working with new media / technologies however also need to think long and hard about whether their work should actually be shown within an art institution / organisation when it's not the environment it was conceived for, not all art can or should make this transition.


F.N.: What will you focus on in 2007? Do you already have something in mind or you haven’t yet planned anything?

G.L.: I am planning to follow through on my ideas mentioned previously of networks in a wider context, which will hopefully take shape in a few forms. My research weblog Network Research (http://www.asquare.org/networkresearch/) is the background research for these.

At the moment I have another collaboration with Frédérique Santune in the process of being finalised. This is an installation which has been a more lengthy work than some of our previous collaborations but continues ideas we have worked on of networking / connecting video in various ways so that they play off of each other or augment what a video can be.

I have some funded work just beginning in collaboration with two colleagues from university which will explore mobile networks and I'm hoping to continue doing audio-visual performance work like the Open Ear performances from last year.
I've started working with Processing and Max / Msp as well so hopefully these will play some role in the work to come this year.
That’s all that’s planned but there will be some other works as well as I tend to work on many at the same time.